Disco Grande, Discópolis y El Séptimo Vicio

Iniciado por Albert Dirac

Bueno, en realidad hoy en día hace ya mucho que no se usan tonalidades para componer en música clásica. Escribir algo en Re bemol mayor es algo del pasado, y de algunos pocos nostálgicos que las siguen usando.
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Bueno, eso es un tema gigantesco que tiene una enjundia que me sobrepasa con mucho. Una cosa es que haya decaído la tonalidad como convenio para la identidad de una obra y otra muy diferente es el empleo de la tonalidad (con sus diversos métodos clasificatorios) de las composiciones clásicas, ya sean modernas o de una naturaleza mucho más radical y contemporánea. ¿Era Bartok atonal?. Según un amigo que está metido en esto de la musicología dice (y lo que es peor, te lo intenta explicar ) que definitivamente no es atonal, solo que mueve los centros tonales en varias de sus obras. Hasta es capaz de definirme el concepto de tonalidad aplicado por algunos de los serialistas más avezados mediante una serialización de las afinaciones de las notas. Material realmente agreste.

Iniciado por Albert Dirac

Claro que se puede comparar a Mozart con Dylan, de hecho acabo de hacerlo. Los términos de la comparación, son lo relevante.

Claro, y también con El Fary, pero si quieres comparar la música como lenguaje, como gramática o como ciencia (que también) no creo que tengan mucho que ver. De hacho es que no me parece que compitan ni tan siquiera en el mismo campo, Dylan trabaja con las letras y con un lenguaje musical que es tremendamente simple, pero es que no pretende otra cosa. Como artista puedes tener el mayor concepto de él y si le evalúas comparativamente con sus colegas de generación que se dedican a su mismo género encontrarás elementos que le diferencian claramente y le ponen en un nivel si quieres mucho más elevado. Efectivamente el arte es uno de las escasas actividades humanas en la que la suma de sus elementos es mucho más grande que las partes individuales. Es decir, 1 + 1 no es 2, son 3000 cuando a la combinación se le añade el talento necesario. Yo si creo que uno puede ser tan artista como el otro pero los elementos y el lenguaje que emplean son radicalmente distintos, tanto en complejidad y dificultad como en intenciones. Esto no tiene demasiada relevancia para el común de los mortales que solo necesitan que algo les conmueva, les emocione o le hagan sentir diferente, pero tampoco tiene nada de malo reconocerlo.

Iniciado por Albert Dirac

Recordarás que antes de la invención del micrófono, las técnicas para cantar music-hall por ejemplo, y ópera, eran muy parecidas. Eso permitía que cantantes del music-hall, como Rosa Ponselle, una de las mayores estrellas de la ópera en las primeras décadas del siglo XX, pudieran hacer una transición rápida y exitosa a cantar ópera.

Las grandes diferencias que existen entre cantar ópera y cantar pop, se deben al micrófono. Desde su invención, ya no es necesario proyectar la voz en música popular, y por eso hay notables diferencias técnicas entre cantar con y sin micrófono. Es prácticamente imposible que un cantante de música pop o rock pase hoy en día a cantar ópera, sin invertir primero en años de formación. Y, a la inversa, es difícil encontrar cantantes de ópera que canten realmente bien música popular (hay un verdadero museo del horror, al respecto).

Pero no imposible, escuchemos por ejemplo a Renée Fleming, una gran soprano americana, cantando música popular:



Con el micrófono, es perfectamente posible cantar en un rango vocal muy amplio. En ópera, siendo más difícil desde un punto de vista técnico, también hay cantantes con una tesitura muy extensa. Siguiendo con ejemplos femeninos, en italiano existe el concepto 'soprano sfogato', que es una cantante capaz de bajar a notas propias de una mezzo/contralto y, a la vez, manejar desahogadamente la coloratura de una soprano.

Este tipo de cantantes tienen papeles en óperas italianas del siglo XIX como "Anna Bolena", "Norma", "Nabucco",... y como hoy en día se siguen cantando, pues se necesita que haya intérpretes adecuadas.

Lo de los micrófonos no le recuerdo bien , pero realmente es complicado conocer como era el estilo y la ejecución sin registros sonoros. Yo creo que la industria fonográfica de verdad comenzó en los años 20 con la Columbia Records (aunque la Deustche Gramphone lanzará discos en muy pequeñas series y con formatos de una sola cara). Es cierto que la amplificación fue una revolución de las más grandes y deterministas en el arte popular, sobre todo por el tema de que la potencia vocal natural ya no era un factor limitante para los cantantes. En cuanto a la técnica de los cantantes populares vs. clásicos antes de estos hechos no sabría que decirte. Yo pienso que la amplificación es un factor diferencial tremendo, pero ahora mismo la equalización y en su procesamiento extremo el Auto Tune y similares crean un paraje un tanto desconcertante. Ahora mismo un artista puede ser corregido en tiempo real, desafinando y lanzando gallos como un loco y al público le llega una interpretación impoluta. Difícil evaluar con certeza cual es la verdad de la técnica vocal de un cantante de pop.

Si hay un territorio indeterminado entre la Ópera y el Musical, en la que si se dan algunos trasvases pero es difícil de evaluar también. Un cantante de ópera decía que en el Musical el público espera un cante normal y una excelente interpretación y en la ópera una actuación normalucha pero un cante excelente.

Saludos

Ayer falleció Meat Loaf. Creo que no es un artista muy reconocido o seguido en España. A mi, sin embargo, desde que lo descubrí en un concierto en La Dos, allá por 1996, siempre me encantó.

Reunía todo lo que me gustaba por aquella época: épica, mujeres guapas y por supuesto, rock and roll. Y además en un tío que era todo lo contrario al estereotipo de estrella de rock.

Sus conciertos eran una mezcla de teatro, musical y concierto todo en uno. Una mezcla del fantasma de la ópera con rockabily, de la bella y la bestia con el hard rock.

Un tío auténtico y único, que además polifacético, con innumerables películas a sus espaldas.

Descanse en paz.