Críticas y recomendaciones de discos

No sé si alguien lo ha recomendado antes:




Versión maravillosa, con una dinámica, una espacialidad y una belleza increíbles. Espléndida toma sonora.

Los timbales del inicio son ideales para una prueba de cómo anda de graves el equipo.

El inicio es bastante conocido, el "himno de Eurovision", pero la versión original, no adaptada para una gran orquesta sinfónica que es la versión archiconocida, es mucho más impactante y te prepara perfectamente para los recitativos y arias posteriores.

Música barroca realmente trepidante. Cuesta imaginar que alguien pueda concentrarse en rezar con esta maravillosa Misa de Navidad.

Que os puedo decir. Una maravilla tanto el violín como la orquesta.(del compositor para que hablar, je, je)
Ademas esta señora estará aquí (en MAdrid) la semana que viene y eso es de aprovechar
Buena grabación

Compositor: Ludwig Van Beethoven
Obra: The late string quartets Opus 95, 127, 130-133,135
Interpretación: Takács Quartet
año: 2004
sello: Decca

Interpretado por el Takács Quartet, este es un auténtico bellezón de disco hiper recomendable. Dos violines, una viola y un cello que suenan a Gloria. Asombrosa la cantidad de colores que son capaces de plasmar este cuarteto. Recomendación de nuestro compi Mozart y a cuya recomendación me sumo por varios motivos. La calidad incuestionable de la interpretación sutil y llena de matices de este quarteto y el precio de este triple cd (13 libras esterlinas los 3 cd's).
Para mayor información pasaros por la web de MDT
un saludo

Otra alternativa ,esta en SACD.Delos discos más premiados por la critica este año.Sonido e interpretación de altura.

Me acaba de llegar esta mañana y el rato que lo tengo puesto,sólo hace que ponerme la piel de gallina.
Un coro de 40 miembros,,de ahí XL,cantando divinamente.
El sonido te envuelve y llena.

SACD super aconsejable de música coral antigua
Purcell-Koday-Harvey,etc.........

Del sello harmonía mundi,toda una garantía



A disfrutarlo

Saludos

Sisco

Esta tarde dando una vuelta por la FNAC he visto este SACD y he caido en la tentación, lo he escuchado y vale pero que mucho la pena, la nitidez de la grabación es magnífica y las voces flotan por la estancia con una dulzura increible en una obra tan triste pero tan bella, ah y a un precio asequible 16,90 €.

H Gorecki: Symphony No.3 - Ingrid Perruche, soprano; Sinfonia Varsovia; Alain Altinoglu, conductor

Label - Naive

Cat. No. - V5019

SACD Hybrid Recording

Including Symphony No.3 'Symphony of Sorrowful Songs' op. 36; Canticum Graduum op. 27 (world premiere recording)



Saludos.

Depeche mode - playing the angel
www.depechemode.com


hola... como seguidor de este fantastico grupo estoy contando las horas para la llegada de su nuevo album "playnig the angel" el 17 de octubre.

Para los conocedores de depeche, la gente que ya ha escuchado el album lo situa entre su "violator" y el "songs of faith and devotion". Un album oscuro de sonido electronico brillante en el que han vuelto a usar sintetizadores analogicos.

Ademas saldra con una version deluxe (la que me ha hecho comprar el mejor equipo 5.1 que me he podido permitir, y por el que he encontrado este fantastico foro ) con las siguientes caracterisitcas.

de: http://www.depeche-mode.com/forum/in...?topic=14598.0

The album is being released as a Limited Edition package including a hybrid CD/SACD disc, as well as a feature packed DVD.

The CD/SACD will feature a standard PCM 16-bit mix, as well as Super Audio stereo and 5.1 surround mixes. The Hybrid SACD is designed to play in both CD and SACD players, as well as SACD-compatible DVD players. The 5.1 SACD Surround Sound Mix requires a Multi-Channel SACD player or compatible Surround Sound system.

The DVD will feature the entire album (every song, full length) in 24-bit DTS 5.1, 24-bit Dolby Digital 5.1 Surround as well as a 24-bit PCM Stereo mix.

Additionally, the DVD will include a making-of feature titled 'Making The Angel' as well as the video for 'Precious', both of which were directed by Uwe Flade and produced by Mark Entzelmann for Q Films. There's also an acoustic performance of 'Clean' recorded at Whitfield Street Studios in London; and a photo gallery with candid studio shots taken by Ben Hillier at the Santa Barbara/New York/London recording sessions.

The album was recorded at Sound Design (Santa Barbara), assisted by Nick Sevilla; Stratosphere Sound Studios (New York), assisted by Arjun Argerwala and Rudyard Lee Cullers; and recorded and mixed at Whitfield Street Studios (London), assisted by Devin Workman and Kt Rangnick. It was produced by Ben Hillier for 140dB, and mixed by Ben and Steve Fitzmaurice. The album was programmed by Richard Morris and Dave McCracken, the latter also playing piano on "I Want It All". The three tracks written by Dave were co-written by Christian Eigner and Andrew Phillpott, both of whom also did programming on the tracks. The rest of the album was written by Martin Gore, albeit it should be noted that "John The Revelator" was inspired by the traditional song of the same name.

Mi vida ha cambiado despues de haber escuchado este SA CD:



Tanto en calidad de interpretación como de grabación. UNA MARAVILLA. Estos de Linn saben hacerlo bien

Emocionante de principio a fin.Una suite sinfonica cargada de poesía a raudales.Escena sonora brillante,detallada.He escuchado bastantes versiones e incluso en este foro se ha recomendado alguna.Esta versión de DG dirigida por el maestro coreano es de lo mejor.Deseo que la DG la edite pronto en SACD.Una obra imprescindible!

Compositor: Varios
Interprete: Patricia Baber
Sello: Blue Label Note
Año grabación: 1998, en vivo.
Formato: CD. 20 bits. 47 minutos



No es un disco reciente (grabado en 1998 ) pero para mí todo un descubrimiento, no solo de Patricia sino también de los instrumentistas que se llevan más el 80% del mérito de este CD.

SONIDO: Grabado a una resolución de 20 bit tiene un sonido magnífico, nítido y cercano a los instrumentos pero bien balanceado, muy realista. Precioso el sonido del organo Hammond tocado por Patricia y del bajo acustico (este disco lo estoy utilizando ahora para calibrar con audimetro mi nuevo SW).

INTERPRETACION: los cortes 1, 2 y 7 sobresalen, el 1º una sorprendente versión jazzistica del tema de Bono "The Beat Goes On" , el 2º "Use me" con una introducción deslumbrante de bajo acústico y el 7º una versión del Black Magic Woman de Santana que quita el hipo, sobre todo las variaciones con guitarra electrica a mitad del tema y la parte de percusión posterior : (los inicios de muestra no dan idea de la acuarela de sonido y rítmos posterior en esta canción)

No os lo perdáis.

Antes de nada. Que sepais que está crítica no ha sido hecha bajo los efectos de ningún alucinógeno... bueno si, esta auténtica MARAVILLA de disco. Es lo mejor que he escuchado en jazz vocal femenino en AÑOS, y no exagero ni un ápice.
Aquí va esta muy muy personal interpretación de este muy personal disco tema por tema. Para todo aquel que lo escuche puede que haya un antes y un después de MC. A ver, no es que el resto de los discos no merezcan una crítica tan especial, pero es que trabajos como este salen a la luz muy de vez en cuando.

Touch of Trash
Átona, átona, átona es la definición que se me ocurre para decir algo de la voz de Patricia Barber en este tema. Hay un díalogo con la guitarra eléctrica bajo la atenta mirada de un percusión muy incisiva. Un monólogo del saxo de esos que quitan el hipo.
Winter
Creo que hacía tiempo que no oía a una canción empezar de mejor manera. Es una pieza sencilla pero poderosa por su poder de fascinación minimalista. Apenas tres fraseos del bajo para llenar cualquier espacio
You & the night & the music
¡Joer, que gozada!. Otra entrada de lo mas sensual con una simbiósis entra cada nota que sorprende. El fraseo del contrabajo es super profundo. La tete a tete entre este y el piano es alucinógeno mateniendo un ritmo muy luminoso
Constantinople
Entronca este tema con la música étnica pero con una calidad, una inteligencia y un respeto, asombrosos por lo complejo y a la vez sencillo de la mezcla. Una trompeta y unos toques de cello que suenan a gloria. Lleno de una riqueza y matices en la voz impresionantes. Sin duda los trece temas son y de 5 estrellas, pero a este hay que añadirle media estrella mas.
Light my fire
Que se puede decir de este tema que no se haya dicho ya. Pues si, después de escuchar esta versión se pueden decir muchas cosas más. Que facilidad mas pasmosa para atacar un tema que si bien, no es especialmente difícil, es tan personal y tan histórico que hay que tener cuidado. Patricia le da un tempo pausado y penetrante, lo que provoca que te dejes llevar hasta el final del tema subido en sus notas etéreas. Fantástico.
Silent partner
Sedosísima la voz de esta maravillosa intérprete flotando sobre un piano cristalino. Un tema asequible que enamoraría al mas duro de los mortales. Es como si te susurrase la canción. La entrada de la trompeta es sobrecogedora y emotiva hasta tal punto, que te llena el corazón de una nostalgia inexplicable.
Company
Cambio brusco de estilo y de tempo. Con una percusión y unos metales cercanos al mejor Miles. Es de los temas mas puros de jazz en su parte instrumental. Las incursiones de la voz y la aceleración en el fraseo la convierten en una bendita rareza. Potente solo de percusión a prueba del mejor equipo hi-fi. Esas subidas y bajadas en el tono están al alcance de pocas "interpretes" y digo intérpretes y no voces.
Let it rain
Toque blues que te deja cada vez mas enamorado de esta voz sin igual. Bajo, piano y guitarra mimetizados en pura empatía... hechizante. Da la imprsión de que Patricia ejerce de domadora de la imponente guitarra eléctrica.
She's a lady
Vuelta al estilo desafinado y a esa voz super matizada. Leve guiño al pop pero sin dejar nunca de hacer el tema suyo. Si algo tiene patricia barber de bueno es que nunca entra en un estilo por la puerta principal. Entra y sale sin ser vista. La guitarra aparenta estar "a su bola" pero sin dejar de seguir el ritmo impueto por la percusión de los dedos. Fantástico tema en el que hay unas gotas de melodía pura y dura pero que se disuelve al momento y en cada nota.
Love, put on your faces
¡ Que auténtica gozada de tema !. Muy lánguido con unos alargamientos y subidas de tono en la voz que te dejan traspuesto. Una guitarra gua gua por momentos te noquea. Vuelta al toque blues del piano con una elegancia que no sabria definir. Llega ahora el coro que convierte el tema en una obra de arte. De repente asocias lo que estás oyendo con un musical con toques gospel, pero solo son insinuaciones.
Postmodern blues
Percusión y voz con un bajo apenas perceptible. La canción adquiere un ritmo latino totalmente inusual pero no por la cercanía al estilo, sino porque vuelve a ser tan solo un disfraz. La guitarra juega un protagonismo inusitado por un minimalismo que apenas dura unos segundos. El bajo pellizcado acompaña a la voz creando mucho espacio.
Let it rain
Regreso a los coros y al jazz de los 20 y los 30, muy gospel. Que se puede decirr de un coro gospel sino que es la voz hecha alma.
The fool on the hill -vamp-
¡ Que maravillosa capacidad para darle a su voz ese algo que hace que se acople a cada tema!. Me recuerda muy de lejos, al estilo de la cantante de los carpenters en este "melódica" pieza. No al estilo al uso. Son como epigrafes musicales de un mismo.
tema.
Bueno, esto se ha terminado. Mil perdones si me he extendido en demasía o si he aburrido a alguien

Un saludo y no vacileis en comprar esta JOYA.

Ayer paseaba yo por ECI y vi esta joya a 9,95 euros (está en oferta hasta el día 19, su precio normal es de 29,70 euros), un concierto en directo de ESTE AÑO (mayo de 2005) del mítico grupo cantando Paul Rodgers . El sonido viene en pcm estéreo (16/48) y en dts a 24/96, nada de dolby digital.



El motivo de que venga en pcm a 16 bits y no a 24 supongo que será porque existe el doble CD y será la misma mezcla . El concierto es buenísimo actuando como vocalista Paul Rodgers en su mayor parte si bien algunos temas los canta Brian May, el guitarrista (como ´39 o Love of my life") y Roger Taylor (el batería) . Y la sorpresa es la versión muy emotiva de Bohemian Rhapsody hecha sobre la voz (y vídeo) del desaparecido Freddie Mercury . Se les ve carrocillas, salvo a Brian May que parece que con él no pasan los años .

Teniendo en cuenta el grupo, la calidad interpretativa del concierto y la calidad de vídeo (magistral) y de audio (aunque demasiado de directo) y, sobre todo, el precio, no puedo más que recomendarlo muy entusiastamente. Los temas que vienen, SEUO, son :

1 Reaching Out(Hill/Black)
2 Tie Your Mother Down (May)
3 I Want To Break Free (Deacon)
4 Fat Bottomed Girls (May)
5 Wishing Well (Rodgers/Kirke/Yamauchi/Kossoff/Bundrick)
6 Another One Bites The Dust (Deacon)
7 Crazy Little Thing Called Love (Mercury)
8 Say It's Not True (Taylor)
9 '39 (May)
10 Love Of My Life (Mercury)
11 Hammer To Fall (May)
12 Feel Like Makin' Love (Rodgers/Ralphs)
13 Let There Be Drums (Nelson/Podolor)
14 I'm In Love With My Car (Taylor)
15 Guitar Solo (May)
16 Last Horizon (May)
17 These Are The Days Of Our Lives (Queen)
18 Radio Ga Ga (Taylor)
19 Can't Get Enough (Ralphs)
20 A Kind Of Magic (Taylor)
21 I Want It All (Queen)
22 Bohemian Rhapsody (Mercury)
23 The Show Must Go On (Queen)
24 All Right Now (Rodgers / Fraser)
25 We Will Rock You (May)
26 We Are The Champions (Mercury)
27 God Save The Queen (Trad. Arr. May)

Y ya a consecuencia de los atentados en Londres, una grabación hecha en Julio de Imagine .

En definitiva, unos 140 minutos de Queen (sin John Deacon ni Freddie Mercury) divinos y altamente recomendables.

Título del disco: "Messiah"
Compositor: George Frideric Händel
Director: Nikolaus Harnoncourt
Sello: Deutsche Harmonia Mundi
Formato: SACD híbrido multicanal (2) - DSD puro (?)
Versiones comparadas: Hogwood (L'Oisseau-Lyre) y McCreesh (Archiv)



INTERPRETACIÓN

Esta es una interpretación del Mesías distinta a todas. Desde luego radicalmente opuesta a las acartonadas interpretaciones de la tradición romántica, con coros de cientos de cantantes y solistas de ópera. Pero lo excepcional no es eso, sino que también sea distinta a otras versiones que se sitúan en la mucho más reciente tradición historicista, como las de Hogwood y McCreesh, de la cual el director austríaco Nikolaus Harnoncourt es uno de los fundadores.

Nikolaus de la Fontaine-d’Harnoncourt-Unverzagt, descendiente de los Condes de Luxemburgo y de los Emperadores de Austria, sin ser un compositor es sin embargo un genio de la música, uno de los pocos que existen hoy en día.



Pero lo suyo no es solo inspiración, sino también estudio. Ha publicado un libro que os recomiendo mucho, y que se consigue en español en la Casa del Libro, titulado El Diálogo musical: reflexiones sobre Monteverdi, Bach y Mozart. En ese libro expone una tesis que ha sido su marca de fábrica en la interpretación del repertorio barroco y clásico, incluida la obra que hoy os comento: no dar por sentado que un criterio de interpretación (llámese instrumentación, codas, ornamenti, tempi, etc.) es válido sólo porque "siempre se ha hecho así", que es lo que diría una mente conservadora. No, Harnoncourt va a las fuentes originales, estudia, emprende una verdadera búsqueda de datos que le permitan aproximarse al universo estilístico y sonoro de la época ... y hala!!! de pronto nos sorprende con una versión de una obra archiconocida como el Mesías que escuchamos como si fuera la primera vez que lo hacemos.

Ese es el caso de esta versión. Harnoncourt explica en las notas que la interpretación tradicional de esta obra sufre por el hecho de haber sido convertida casi en un objeto de culto y veneración en Inglaterra desde la época de Händel. Es algo así como la pieza central de una religión nacional. El resultado es que a lo largo de los más de dos siglos que nos separan desde su creación se han acumulado -como la mugre sobre los cuadros- una serie de clichés interpretativos que se han convertido en una especie de rito sacro desprovisto de emoción; un rito que nada tiene que ver con la intención inicial del compositor o las prácticas interpretativas de la época de Händel. Por ello es tan importante arrancar esta obra de manos de los ingleses y someterla a una revisión completa, para lo cual Harnoncourt ha llegado incluso a contratar expertos grafólogos que examinen las partituras originales salidas de la mano de Händel y detecten inflexiones en cuanto a la intensidad de la palabras, etc.

El resultado es sorprendente. A dieferencia de las versiones de Hogwood y McCreesh, basadas ambas en la denominada versión del Foundling Hospital (1754), Harnoncourt no se ciñe a ninguna en particular. Sus motivos tiene. No obstante, de manera coincidente con la versión Foundling, que prescinde de los castrati, Harnoncourt no emplea un contratenor para las partes asignadas genéricamente a un "alto", sino una mujer, la joven contralto sueca Anna Larsson, con una voz oscura y fascinante que es difícil de encontrar hoy en día.

No hay espacio aquí para comentar detalladamente la versión, pero os aseguro que si conocéis bien la obra os sorprenderá esta interpretación. A manera de resumen os digo lo más notable:

1.- La elección de los tempi, en términos generales mucho más reposados que otras versiones (escuchad el famoso Aleluya y alucinaréis), si bien en el coro Worthy is the Lamb que cierra la obra, el Amen fugado va bastante más rápido de lo usual (y menos mal ;-)).

2.- La maravillosa sección de cuerdas que emplea Harnoncourt y que puntea toda la obra, cediendo protagonismo a los metales sólo al final.

3.- La importancia del fraseo, que se advierte desde el corte 2, con el énfasis que pone el tenor en cada palabra del "Confort ye". En una obra donde la palabra es tan importante esto sin duda es fundamental.

4.- Los coros. El coro Arnold Schoenberg supera con creces a los ya de por sí excepcionales Gabrieli Consort de Paul McCreesh y al coro de voces masculinas de la Christ Church Cathedral en la versión Hogwood. Händel no empleó mujeres en el coro, al menos de la versión Foundling, sino niños sopranistas. Harnoncourt emplea mujeres, pero a diferencia de los Gabrieli Consort éstas tienen aquí un timbre aniñado, como de muchachos. Aparte de eso, los coros son absolutamente transparentes, de forma que se distinguen siempre las distintas cuerdas (sopranos, tenor, bajos).

5.- El marcado contraste dinámico en muchos pasajes orquestales, lo cual ya es una constante del maestro.

SONIDO

Esta versión fue grabada en vivo en la Musikvereinssaal de Viena, lo cual se advierte sobre todo en las breves pausas entre los sucesivos cortes. Pero no hay aplausos.

El sonido es excepcional, no en balde están involucrados los ingenieros de los famosos estudios Teldex de Berlín. Se trata de una toma sonora más bien próxima y acorde con el énfasis que Harnoncourt quiere dar a la clara percepción de las texturas instrumentales y vocales. Ello le resta a lo mejor cierta "majestad" a la versión, pero eso es justamente lo que Harnoncourt quiere. No se indica si los SACDs son DSD puros, pero apuesto a que sí, pues el detalle y resolución del sonido y la microdinámica es muy superior al otro SACD de la obra: la versión de Archiv. La versión multicanal funciona muy bien.

También publicada en: http://www.hificlass.com/

Título: Ça Ira
Compositor: Roger Waters
Interpretes: Bryn Terfel, Paul Groves, Ying Huang
Sello: Sony Classical / Columbia
Formato: SACD (2)



Producto curioso éste. Vino precedido de cierta publicidad desde antes de su lanzamiento hace unos pocos meses, sin duda alimentada por la curiosidad y expectación que provoca el que una famosa figura del pop-rock como el ex-Pink Floyd dé o pretenda dar el salto a la clásica. La historia presenta paralelismos con lo que ocurrió hace unos años con la "ópera" Luna del ex-mecano José María Cano. Volveré sobre ello.

La primera cuestión que suscita la aproximación a este producto de Waters es la de su clasificación dentro de los géneros musicales: ¿se trata de una ópera? No es un tema tan trivial como parece, pues Waters ha puesto toda la carne en el asador para que su obra sea llamada "ópera", sea considerada y respetada como tal y se represente en los teatros de ópera más importantes de Europa interpretada por cantantes líricos, etc. De hecho él mismo se ha anticipado la polémica declarando más o menos que sabe que se enfrenta a los prejuicios y conservadurismos típicos de los circuitos del mundo operístico. Una estrategia no desprovista de maquiavelismo marketiniano pues de este modo pretende poner de su parte al gran público y matar el debate antes de nacer: si alguien se atreve a decir que su obra no es una "ópera" entonces queda automáticamente colocado del lado de los carcas, retrogrados y conservadores que pueblan el mundo de la clásica.

Y sin embargo esto no es una ópera. Es evidente desde los primeros cortes. Escuchad por ejemplo en 0'45" del corte 4 la intervención de Madame Antoine, que empieza con la frase "one day". Decidme si ese estilo no es de musical. Lo mismo que la intervención de Honest Bird en 1´25", que recuerda a la entrada del "artillery man" en el musical "La Guerra de los Mundos". En el corte 23 nos encontramos incluso un coro de negros en el más puro estilo gospel.

Una ópera es teatro cantado, pero musicalmente se caracteriza por cierta complejidad armónica. Sobre todo las óperas compuestas en el siglo XX y supongo que también el en XXI son más bien poco o nada melódicas. Es difícil cantar un fragmento de una ópera de Richard Strauss en la ducha. Además casi ninguna ópera tiene partes habladas y cuando adoptan ritmos y melodía populares generalmente el compositor los estiliza y transforma armónicamente. Un musical es lo contrario: melodías fáciles de cantar, partes habladas, simplicidad armónica, cantos populares como el gospel mencionado.

¿Qué es entonces Ça Ira? Pues es un poco difícil decirlo. Yo diría que básicamente recuerda a la opereta (una especie de ópera light con argumentos generalmente divertidos), pero con un libreto que pretende ser trascendental. También al musical pop-rock, pero con algunas inyecciones de complejidad armónica para intentar que a ratos parezca algo de más enjundia. El problema de esta obra es que sin ser propiamente una ópera, al menos dentro del concepto habitual del término, es muy pretenciosa para ser un musical. La Guerra de los Mundos es un estupendo musical pop cuyo éxito radica en parte en que no pretende ser otra cosa. Su autor no pretendió nunca estrenarlo en el Covent Garden ni le dió la pataleta como a Jose María Cano o Roger Waters cuando les dijeron que no.

He perdido las notas que tomé hace más de un mes cuando compré y escuché el doble SACD, así que no podré ser más preciso, al menos hasta que la vuelva a escuchar, pero algo puedo adelantar.

Los solistas son muy buenos. Bryn Terfel es un conocido bajo-barítono y con su gran arte logra darle cierta categoría a esta obra de Waters.

El libreto es infame. Sus autores, unos tales Nadine y Etienne Roda-Gil salen por todas partes en el cuadernillo del album. Es raro que no sepamos quién ha dirigido musicalmente la interpretación de esta obra -algo esencial en una grabación supuestamente de clásica- pero que los libretistas salgan hasta en la sopa. Han hecho un libreto sobre la Revolución Francesa lleno de alegorias baratas sobre la libertad, la democracia, etc. pero baratas, baratas, con pajaritos que hablan y esas cosas. Fijaros en el ridículo corte 7.

A pesar de ser esencialmente un musical, ello es más evidente en las partes vocales. En los pasajes instrumentales a ratos se consigue cierta densidad y profundidad musical. Ya os diré donde.

Y por ahora esto es lo que hay.

Un saludo

Publicada también en HiFiClass