Críticas y recomendaciones de discos

Mi vida ha cambiado despues de haber escuchado este SA CD:



Tanto en calidad de interpretación como de grabación. UNA MARAVILLA. Estos de Linn saben hacerlo bien

Emocionante de principio a fin.Una suite sinfonica cargada de poesía a raudales.Escena sonora brillante,detallada.He escuchado bastantes versiones e incluso en este foro se ha recomendado alguna.Esta versión de DG dirigida por el maestro coreano es de lo mejor.Deseo que la DG la edite pronto en SACD.Una obra imprescindible!

Compositor: Varios
Interprete: Patricia Baber
Sello: Blue Label Note
Año grabación: 1998, en vivo.
Formato: CD. 20 bits. 47 minutos



No es un disco reciente (grabado en 1998 ) pero para mí todo un descubrimiento, no solo de Patricia sino también de los instrumentistas que se llevan más el 80% del mérito de este CD.

SONIDO: Grabado a una resolución de 20 bit tiene un sonido magnífico, nítido y cercano a los instrumentos pero bien balanceado, muy realista. Precioso el sonido del organo Hammond tocado por Patricia y del bajo acustico (este disco lo estoy utilizando ahora para calibrar con audimetro mi nuevo SW).

INTERPRETACION: los cortes 1, 2 y 7 sobresalen, el 1º una sorprendente versión jazzistica del tema de Bono "The Beat Goes On" , el 2º "Use me" con una introducción deslumbrante de bajo acústico y el 7º una versión del Black Magic Woman de Santana que quita el hipo, sobre todo las variaciones con guitarra electrica a mitad del tema y la parte de percusión posterior : (los inicios de muestra no dan idea de la acuarela de sonido y rítmos posterior en esta canción)

No os lo perdáis.

Antes de nada. Que sepais que está crítica no ha sido hecha bajo los efectos de ningún alucinógeno... bueno si, esta auténtica MARAVILLA de disco. Es lo mejor que he escuchado en jazz vocal femenino en AÑOS, y no exagero ni un ápice.
Aquí va esta muy muy personal interpretación de este muy personal disco tema por tema. Para todo aquel que lo escuche puede que haya un antes y un después de MC. A ver, no es que el resto de los discos no merezcan una crítica tan especial, pero es que trabajos como este salen a la luz muy de vez en cuando.

Touch of Trash
Átona, átona, átona es la definición que se me ocurre para decir algo de la voz de Patricia Barber en este tema. Hay un díalogo con la guitarra eléctrica bajo la atenta mirada de un percusión muy incisiva. Un monólogo del saxo de esos que quitan el hipo.
Winter
Creo que hacía tiempo que no oía a una canción empezar de mejor manera. Es una pieza sencilla pero poderosa por su poder de fascinación minimalista. Apenas tres fraseos del bajo para llenar cualquier espacio
You & the night & the music
¡Joer, que gozada!. Otra entrada de lo mas sensual con una simbiósis entra cada nota que sorprende. El fraseo del contrabajo es super profundo. La tete a tete entre este y el piano es alucinógeno mateniendo un ritmo muy luminoso
Constantinople
Entronca este tema con la música étnica pero con una calidad, una inteligencia y un respeto, asombrosos por lo complejo y a la vez sencillo de la mezcla. Una trompeta y unos toques de cello que suenan a gloria. Lleno de una riqueza y matices en la voz impresionantes. Sin duda los trece temas son y de 5 estrellas, pero a este hay que añadirle media estrella mas.
Light my fire
Que se puede decir de este tema que no se haya dicho ya. Pues si, después de escuchar esta versión se pueden decir muchas cosas más. Que facilidad mas pasmosa para atacar un tema que si bien, no es especialmente difícil, es tan personal y tan histórico que hay que tener cuidado. Patricia le da un tempo pausado y penetrante, lo que provoca que te dejes llevar hasta el final del tema subido en sus notas etéreas. Fantástico.
Silent partner
Sedosísima la voz de esta maravillosa intérprete flotando sobre un piano cristalino. Un tema asequible que enamoraría al mas duro de los mortales. Es como si te susurrase la canción. La entrada de la trompeta es sobrecogedora y emotiva hasta tal punto, que te llena el corazón de una nostalgia inexplicable.
Company
Cambio brusco de estilo y de tempo. Con una percusión y unos metales cercanos al mejor Miles. Es de los temas mas puros de jazz en su parte instrumental. Las incursiones de la voz y la aceleración en el fraseo la convierten en una bendita rareza. Potente solo de percusión a prueba del mejor equipo hi-fi. Esas subidas y bajadas en el tono están al alcance de pocas "interpretes" y digo intérpretes y no voces.
Let it rain
Toque blues que te deja cada vez mas enamorado de esta voz sin igual. Bajo, piano y guitarra mimetizados en pura empatía... hechizante. Da la imprsión de que Patricia ejerce de domadora de la imponente guitarra eléctrica.
She's a lady
Vuelta al estilo desafinado y a esa voz super matizada. Leve guiño al pop pero sin dejar nunca de hacer el tema suyo. Si algo tiene patricia barber de bueno es que nunca entra en un estilo por la puerta principal. Entra y sale sin ser vista. La guitarra aparenta estar "a su bola" pero sin dejar de seguir el ritmo impueto por la percusión de los dedos. Fantástico tema en el que hay unas gotas de melodía pura y dura pero que se disuelve al momento y en cada nota.
Love, put on your faces
¡ Que auténtica gozada de tema !. Muy lánguido con unos alargamientos y subidas de tono en la voz que te dejan traspuesto. Una guitarra gua gua por momentos te noquea. Vuelta al toque blues del piano con una elegancia que no sabria definir. Llega ahora el coro que convierte el tema en una obra de arte. De repente asocias lo que estás oyendo con un musical con toques gospel, pero solo son insinuaciones.
Postmodern blues
Percusión y voz con un bajo apenas perceptible. La canción adquiere un ritmo latino totalmente inusual pero no por la cercanía al estilo, sino porque vuelve a ser tan solo un disfraz. La guitarra juega un protagonismo inusitado por un minimalismo que apenas dura unos segundos. El bajo pellizcado acompaña a la voz creando mucho espacio.
Let it rain
Regreso a los coros y al jazz de los 20 y los 30, muy gospel. Que se puede decirr de un coro gospel sino que es la voz hecha alma.
The fool on the hill -vamp-
¡ Que maravillosa capacidad para darle a su voz ese algo que hace que se acople a cada tema!. Me recuerda muy de lejos, al estilo de la cantante de los carpenters en este "melódica" pieza. No al estilo al uso. Son como epigrafes musicales de un mismo.
tema.
Bueno, esto se ha terminado. Mil perdones si me he extendido en demasía o si he aburrido a alguien

Un saludo y no vacileis en comprar esta JOYA.

Ayer paseaba yo por ECI y vi esta joya a 9,95 euros (está en oferta hasta el día 19, su precio normal es de 29,70 euros), un concierto en directo de ESTE AÑO (mayo de 2005) del mítico grupo cantando Paul Rodgers . El sonido viene en pcm estéreo (16/48) y en dts a 24/96, nada de dolby digital.



El motivo de que venga en pcm a 16 bits y no a 24 supongo que será porque existe el doble CD y será la misma mezcla . El concierto es buenísimo actuando como vocalista Paul Rodgers en su mayor parte si bien algunos temas los canta Brian May, el guitarrista (como ´39 o Love of my life") y Roger Taylor (el batería) . Y la sorpresa es la versión muy emotiva de Bohemian Rhapsody hecha sobre la voz (y vídeo) del desaparecido Freddie Mercury . Se les ve carrocillas, salvo a Brian May que parece que con él no pasan los años .

Teniendo en cuenta el grupo, la calidad interpretativa del concierto y la calidad de vídeo (magistral) y de audio (aunque demasiado de directo) y, sobre todo, el precio, no puedo más que recomendarlo muy entusiastamente. Los temas que vienen, SEUO, son :

1 Reaching Out(Hill/Black)
2 Tie Your Mother Down (May)
3 I Want To Break Free (Deacon)
4 Fat Bottomed Girls (May)
5 Wishing Well (Rodgers/Kirke/Yamauchi/Kossoff/Bundrick)
6 Another One Bites The Dust (Deacon)
7 Crazy Little Thing Called Love (Mercury)
8 Say It's Not True (Taylor)
9 '39 (May)
10 Love Of My Life (Mercury)
11 Hammer To Fall (May)
12 Feel Like Makin' Love (Rodgers/Ralphs)
13 Let There Be Drums (Nelson/Podolor)
14 I'm In Love With My Car (Taylor)
15 Guitar Solo (May)
16 Last Horizon (May)
17 These Are The Days Of Our Lives (Queen)
18 Radio Ga Ga (Taylor)
19 Can't Get Enough (Ralphs)
20 A Kind Of Magic (Taylor)
21 I Want It All (Queen)
22 Bohemian Rhapsody (Mercury)
23 The Show Must Go On (Queen)
24 All Right Now (Rodgers / Fraser)
25 We Will Rock You (May)
26 We Are The Champions (Mercury)
27 God Save The Queen (Trad. Arr. May)

Y ya a consecuencia de los atentados en Londres, una grabación hecha en Julio de Imagine .

En definitiva, unos 140 minutos de Queen (sin John Deacon ni Freddie Mercury) divinos y altamente recomendables.

Título del disco: "Messiah"
Compositor: George Frideric Händel
Director: Nikolaus Harnoncourt
Sello: Deutsche Harmonia Mundi
Formato: SACD híbrido multicanal (2) - DSD puro (?)
Versiones comparadas: Hogwood (L'Oisseau-Lyre) y McCreesh (Archiv)



INTERPRETACIÓN

Esta es una interpretación del Mesías distinta a todas. Desde luego radicalmente opuesta a las acartonadas interpretaciones de la tradición romántica, con coros de cientos de cantantes y solistas de ópera. Pero lo excepcional no es eso, sino que también sea distinta a otras versiones que se sitúan en la mucho más reciente tradición historicista, como las de Hogwood y McCreesh, de la cual el director austríaco Nikolaus Harnoncourt es uno de los fundadores.

Nikolaus de la Fontaine-d’Harnoncourt-Unverzagt, descendiente de los Condes de Luxemburgo y de los Emperadores de Austria, sin ser un compositor es sin embargo un genio de la música, uno de los pocos que existen hoy en día.



Pero lo suyo no es solo inspiración, sino también estudio. Ha publicado un libro que os recomiendo mucho, y que se consigue en español en la Casa del Libro, titulado El Diálogo musical: reflexiones sobre Monteverdi, Bach y Mozart. En ese libro expone una tesis que ha sido su marca de fábrica en la interpretación del repertorio barroco y clásico, incluida la obra que hoy os comento: no dar por sentado que un criterio de interpretación (llámese instrumentación, codas, ornamenti, tempi, etc.) es válido sólo porque "siempre se ha hecho así", que es lo que diría una mente conservadora. No, Harnoncourt va a las fuentes originales, estudia, emprende una verdadera búsqueda de datos que le permitan aproximarse al universo estilístico y sonoro de la época ... y hala!!! de pronto nos sorprende con una versión de una obra archiconocida como el Mesías que escuchamos como si fuera la primera vez que lo hacemos.

Ese es el caso de esta versión. Harnoncourt explica en las notas que la interpretación tradicional de esta obra sufre por el hecho de haber sido convertida casi en un objeto de culto y veneración en Inglaterra desde la época de Händel. Es algo así como la pieza central de una religión nacional. El resultado es que a lo largo de los más de dos siglos que nos separan desde su creación se han acumulado -como la mugre sobre los cuadros- una serie de clichés interpretativos que se han convertido en una especie de rito sacro desprovisto de emoción; un rito que nada tiene que ver con la intención inicial del compositor o las prácticas interpretativas de la época de Händel. Por ello es tan importante arrancar esta obra de manos de los ingleses y someterla a una revisión completa, para lo cual Harnoncourt ha llegado incluso a contratar expertos grafólogos que examinen las partituras originales salidas de la mano de Händel y detecten inflexiones en cuanto a la intensidad de la palabras, etc.

El resultado es sorprendente. A dieferencia de las versiones de Hogwood y McCreesh, basadas ambas en la denominada versión del Foundling Hospital (1754), Harnoncourt no se ciñe a ninguna en particular. Sus motivos tiene. No obstante, de manera coincidente con la versión Foundling, que prescinde de los castrati, Harnoncourt no emplea un contratenor para las partes asignadas genéricamente a un "alto", sino una mujer, la joven contralto sueca Anna Larsson, con una voz oscura y fascinante que es difícil de encontrar hoy en día.

No hay espacio aquí para comentar detalladamente la versión, pero os aseguro que si conocéis bien la obra os sorprenderá esta interpretación. A manera de resumen os digo lo más notable:

1.- La elección de los tempi, en términos generales mucho más reposados que otras versiones (escuchad el famoso Aleluya y alucinaréis), si bien en el coro Worthy is the Lamb que cierra la obra, el Amen fugado va bastante más rápido de lo usual (y menos mal ;-)).

2.- La maravillosa sección de cuerdas que emplea Harnoncourt y que puntea toda la obra, cediendo protagonismo a los metales sólo al final.

3.- La importancia del fraseo, que se advierte desde el corte 2, con el énfasis que pone el tenor en cada palabra del "Confort ye". En una obra donde la palabra es tan importante esto sin duda es fundamental.

4.- Los coros. El coro Arnold Schoenberg supera con creces a los ya de por sí excepcionales Gabrieli Consort de Paul McCreesh y al coro de voces masculinas de la Christ Church Cathedral en la versión Hogwood. Händel no empleó mujeres en el coro, al menos de la versión Foundling, sino niños sopranistas. Harnoncourt emplea mujeres, pero a diferencia de los Gabrieli Consort éstas tienen aquí un timbre aniñado, como de muchachos. Aparte de eso, los coros son absolutamente transparentes, de forma que se distinguen siempre las distintas cuerdas (sopranos, tenor, bajos).

5.- El marcado contraste dinámico en muchos pasajes orquestales, lo cual ya es una constante del maestro.

SONIDO

Esta versión fue grabada en vivo en la Musikvereinssaal de Viena, lo cual se advierte sobre todo en las breves pausas entre los sucesivos cortes. Pero no hay aplausos.

El sonido es excepcional, no en balde están involucrados los ingenieros de los famosos estudios Teldex de Berlín. Se trata de una toma sonora más bien próxima y acorde con el énfasis que Harnoncourt quiere dar a la clara percepción de las texturas instrumentales y vocales. Ello le resta a lo mejor cierta "majestad" a la versión, pero eso es justamente lo que Harnoncourt quiere. No se indica si los SACDs son DSD puros, pero apuesto a que sí, pues el detalle y resolución del sonido y la microdinámica es muy superior al otro SACD de la obra: la versión de Archiv. La versión multicanal funciona muy bien.

También publicada en: http://www.hificlass.com/

Título: Ça Ira
Compositor: Roger Waters
Interpretes: Bryn Terfel, Paul Groves, Ying Huang
Sello: Sony Classical / Columbia
Formato: SACD (2)



Producto curioso éste. Vino precedido de cierta publicidad desde antes de su lanzamiento hace unos pocos meses, sin duda alimentada por la curiosidad y expectación que provoca el que una famosa figura del pop-rock como el ex-Pink Floyd dé o pretenda dar el salto a la clásica. La historia presenta paralelismos con lo que ocurrió hace unos años con la "ópera" Luna del ex-mecano José María Cano. Volveré sobre ello.

La primera cuestión que suscita la aproximación a este producto de Waters es la de su clasificación dentro de los géneros musicales: ¿se trata de una ópera? No es un tema tan trivial como parece, pues Waters ha puesto toda la carne en el asador para que su obra sea llamada "ópera", sea considerada y respetada como tal y se represente en los teatros de ópera más importantes de Europa interpretada por cantantes líricos, etc. De hecho él mismo se ha anticipado la polémica declarando más o menos que sabe que se enfrenta a los prejuicios y conservadurismos típicos de los circuitos del mundo operístico. Una estrategia no desprovista de maquiavelismo marketiniano pues de este modo pretende poner de su parte al gran público y matar el debate antes de nacer: si alguien se atreve a decir que su obra no es una "ópera" entonces queda automáticamente colocado del lado de los carcas, retrogrados y conservadores que pueblan el mundo de la clásica.

Y sin embargo esto no es una ópera. Es evidente desde los primeros cortes. Escuchad por ejemplo en 0'45" del corte 4 la intervención de Madame Antoine, que empieza con la frase "one day". Decidme si ese estilo no es de musical. Lo mismo que la intervención de Honest Bird en 1´25", que recuerda a la entrada del "artillery man" en el musical "La Guerra de los Mundos". En el corte 23 nos encontramos incluso un coro de negros en el más puro estilo gospel.

Una ópera es teatro cantado, pero musicalmente se caracteriza por cierta complejidad armónica. Sobre todo las óperas compuestas en el siglo XX y supongo que también el en XXI son más bien poco o nada melódicas. Es difícil cantar un fragmento de una ópera de Richard Strauss en la ducha. Además casi ninguna ópera tiene partes habladas y cuando adoptan ritmos y melodía populares generalmente el compositor los estiliza y transforma armónicamente. Un musical es lo contrario: melodías fáciles de cantar, partes habladas, simplicidad armónica, cantos populares como el gospel mencionado.

¿Qué es entonces Ça Ira? Pues es un poco difícil decirlo. Yo diría que básicamente recuerda a la opereta (una especie de ópera light con argumentos generalmente divertidos), pero con un libreto que pretende ser trascendental. También al musical pop-rock, pero con algunas inyecciones de complejidad armónica para intentar que a ratos parezca algo de más enjundia. El problema de esta obra es que sin ser propiamente una ópera, al menos dentro del concepto habitual del término, es muy pretenciosa para ser un musical. La Guerra de los Mundos es un estupendo musical pop cuyo éxito radica en parte en que no pretende ser otra cosa. Su autor no pretendió nunca estrenarlo en el Covent Garden ni le dió la pataleta como a Jose María Cano o Roger Waters cuando les dijeron que no.

He perdido las notas que tomé hace más de un mes cuando compré y escuché el doble SACD, así que no podré ser más preciso, al menos hasta que la vuelva a escuchar, pero algo puedo adelantar.

Los solistas son muy buenos. Bryn Terfel es un conocido bajo-barítono y con su gran arte logra darle cierta categoría a esta obra de Waters.

El libreto es infame. Sus autores, unos tales Nadine y Etienne Roda-Gil salen por todas partes en el cuadernillo del album. Es raro que no sepamos quién ha dirigido musicalmente la interpretación de esta obra -algo esencial en una grabación supuestamente de clásica- pero que los libretistas salgan hasta en la sopa. Han hecho un libreto sobre la Revolución Francesa lleno de alegorias baratas sobre la libertad, la democracia, etc. pero baratas, baratas, con pajaritos que hablan y esas cosas. Fijaros en el ridículo corte 7.

A pesar de ser esencialmente un musical, ello es más evidente en las partes vocales. En los pasajes instrumentales a ratos se consigue cierta densidad y profundidad musical. Ya os diré donde.

Y por ahora esto es lo que hay.

Un saludo

Publicada también en HiFiClass

Quiero comentaros de manera informal este SACD que compré ayer en la FNAC por menos de 18 euros.



Se trata de una recopilación de "tarantelas" procedentes de varias fuentes desde el siglo XVI hasta nuestros días.

Mi primera aproximación a este ritmo que se denomina "tarantela" vino con un CD del excelente grupo de música antigua Cappela della Pietà de'Turchini titulado "Per la Nascita del Verbo" con música barroca napolitana de 1650-1700 y que de paso os recomiendo porque es muy bueno.



Pues bien, una de las piezas que siempre me ha gustado especialmente de este último CD es justamente una obra del compositor Caresana (1640-1709) titulada "La Tarantella".

¿Qué es una tarantella pues? Un ritmo que se desarrolló en el sur de Italia a la sombra de la creencia de que la enfermedad producida por la picadura de la tarantula (la tarantosis) solo podía curarse con música.

Pues con este pretexto, el SACD que os comento, interpretado por el conjunto L'Arpeggiata, está lleno de ritmos, armonias y sonidos riquisimos de eco popular interpretados con archilaudes, arpas, guitarras barrocas y voces más calidas que virtuosas, lo cual es lo suyo con este tipo de música. El sonido es claro y detallado. Todavía no lo he probado en multicanal. Un SACD muy interesante y que apuesto que os va a gustar.

Un saludo

Publicada también en HiFiClass

Ayer estuve escuchando, una vez más, este estupendo disco . Es el segundo que sacó Genesis tras la marcha de Peter Gabriel en un prolífico año, 1976, donde sacaron éste y "a trick of the tail" otro magnífico album .

No tiene despedicio, es bueno de principio a fin . Se aprecian las facultades de cada miembro si bien es un disco más "Tony Banks" .Podemos ver influencias de Phil Collins en "Wot Gorilla?, de Rutherford en "Your own special way", de Steve Hackett en "Blood onthe rooftops" y sobre todo de Tony Banks en "One for de wine", "All in a Mouse´s night" o "Afterglow" y en el resto de las temas una conjunción de todos, sobre todo en el tema 7.

Estos son los temas del disco y su duración aproximada :

1. *Eleventh Earl Of Mar — 7:39
2. *One For The Vine — 9:56
3. *Your Own Special Way — 6:15
4. *Wot Gorilla? — 3:12
5. *All In A Mouse's Night — 6:35
6. *Blood On The Rooftops — 5:20
7. *a. *Unquiet Slumbers For The Sleepers
* * b. *.....In That Quiet Earth — 7:12
8. *Afterglow — 4:10

Esta es la portada del disco :



Para quien le guste el reock sinfónico o progresivo se me antoja como un disco imprescindible, pero también para todo aquél que quiera oir música relajado y que ésta le hable, *pues la letras van con la música.

Paris combo - Live



Este es mi descubrimiento de los últimos dias,gran disco en directo de este grupo frances donde puedes encotrar fusiones de jazz, funk,bosa nova,música española,italiana y música cabaretera una autentica delicia para mis oidos, recomendable tanto este disco como toda su discografía.

He adquirido este doble SA-CD del sello Channel Classics pero que al menos en España me parece que lo distribuye Harmonía Mundi (al menos en su tienda lo compré yo) .

Se trata de una serie de conciertos para violín de VIVALDI interpretados por la muy habilidosa Rachel Podger, en concreto estos :

Disco 1
Concerto in B flat, Opus 4 No. 1
Concerto in E minor, Opus 4 No. 2
Concerto in G major, Opus 4 No. 3
Concerto in A minor, Opus 4 No. 4
Concerto in A major, Opus 4 No. 5
Concerto in G minor, Opus 4 No. 6

DISCO 2

Concerto in C major, Opus 4 No. 7
Concerto in D minor, Opus 4 No. 8
Concerto in F major, Opus 4 No. 9
Concerto in C minor, Opus 4 No. 10
Concerto in D major, Opus 4 No. 11
Concerto in G major, Opus 4 No. 12

* * * * * * * * * * * * * * * *

El disco es de compra OBLIGADA para mi gusto . Lo siento, pero no tengo palabras en este momento como para describir lo bonita que es la música contenida en esos dos discos, lo bien que suena y, encima, si tenemos en cuenta su más que comedido precio . En especial, el corte 15 del segundo disco es absolutamente bello, sublime y embriagador. No os digo más que una cosa : que no caiga esta recomendación en saco roto, que pase a vuestra discoteca y ya veréis cómo tendréis muchas horas garantizadas de una música verdaderamente preciosa y con capacidad de emocionar.

Como ya hace un potosí que no hago ninguna critica de música aquí va esta dedicada a un grupo de los 80 llamado SAD LOVERS AND GIANTS. Çoncretamente este recopilatorio.

¿Quienes son?. Pues un grupo popero guitarrero con un toque de electrónica de la época realmente exquisita. Guitarras con cierta mística y una mezcla de teclados que suavizan un disco ya de por si, no guitarrero en el sentido estricto de la palabra. Hay atmosferas al estilo de the sound y the cure, the damned, the church pero mas oníricos si se me permite la expresión. Excelentes en directo como demuestra el último tema del disco grabado en la sala Pachá de Valencia.
En resumen, hiperrecomendable porque son joyas de un pop que ya no existe.

un saludo

offtopic: ¿porqué no me corrige the darned?. He puesto the damned pero no hay tu tía . No me pone la "m" en vez de la "r".

Otra banda de casi los 90. También guitarras y algo de teclas con una gran similitud a U2 pero con una canción que ya les gustaría para si a los divos de iu tu. Se titula como el disco, " violent impression" y solo por ella ya merece la pena el disco. Tiene momentos en los que los tempos cambian de manera sorprendente. Voluptuoso sonido ( :) por momentos para caer en la delicadeza y en una atmósfera preciosa en otros. Tanto esta banda como la de la crítica anterior, merecieron mejor suerte porque son dos discos deliciosos del pop independiente de aquellos años.
Bueno, otra recomendación para los que les guste el pop bien hecho.

salu2

Título: Sonatas completas para violín y piano, vols. 1 y 2
Compositor: W.A. Mozart
Interpretes: Gary Cooper (fortepiano) y Rachel Podger (violín)
Sello: Channel Classics
Formato: SACD



INTERPRETACIÓN

He aquí el inicio de lo que parece será una integral de todas las sonatas de Mozart para instrumento de tecla y violín.

A Rachel Podger ya la conoceis de la crítica hecha por Matias-buenas de su doble SACD con obras de Vivaldi. En los álbumes aquí comentados la acompaña el joven pianista Gary Cooper.

Tomemos una de las sonatas, la K303, y comparémosla, por ejemplo, con la versión correspondiente en el también reciente SACD de Mitsuko Uchida y Mark Steinberg, grabado para Philips.



Mientras en la versión de Philips la Uchida toca un gran piano Steinway, en la de Channel Classics Cooper toca un fortepiano hecho a imitación de un Anton Walter de 1795. Esta diferencia en los instrumentos hace que de entrada estemos ante versiones muy diferentes. En la versión de Uchida, para evitar que el poderoso piano anule el violín, el ingeniero realiza una toma sonora muy próxima de este último instrumento. El resultado es que pareciera que piano y violín estuviesen colocados en planos yuxtapuestos sin que se logre un adecuado balance entre ellos. Por el contrario, en la versión de Channel Classics el fortepiano Walter de Coopers *y el violín Pesarini de Podger dialogan amablemente entre sí, sin interferirse, produciendose un equilibrio tímbrico exquisito entre los dos instrumentos.

El violín de la Podger en la versión de Channel Classics es mucho más lírico que el de Steinberg para Philips. Escuchad el 1er movimiento de la K379 cuando a partir de 2'45'' Podger inicia una intervención soñadora que es como el aria de una ópera. No obstante, la Podger también sabe ponerle energía y pasión a la interpretación cuando lo exige el guión. Fijaros en 0'19'' del segundo movimiento, cuando tras una magnífica entrada del violín la pareja Podger-Cooper parecen escenificar una historia hecha de sonidos, emoción e intensidad.

Las obras incluidas en ambos volúmenes del proyecto de integral de Channel Classics contienen desde obras compuestas por Mozart cuando solo contaba 6 años hasta obras que revelan al compositor maduro. De éstas tomad por ejemplo el rondeau de la K378 que podéis descargar de aquí:

https://www.forodvd.com/musica/K378rondo.mp3

Notad la alegría y la luminosidad de esta composición y sobre todo la expresividad y vigor de los interpretes, el perfecto equilibrio tímbrico de los instrumentos de época, el lirismo del violín, ...

Esta pareja de albumes, que os recomiendo con entusiasmo, puntuarán alto en la selección de los mejores albumes ForoDVD del año 2005.

SONIDO

Comparando de nuevo las versiones de Philips y Channel Classics encontramos que la primera, en la opción multicanal, presenta una acústica de sala grande y muy resonante. El efecto desaparece al pasar a la capa SACD estéreo. Lo malo es que el sonido se vuelve también plano en estéreo, sin dimensionalidad. Las versiones de Channel Clasics, sin embargo, solo presentan una ligera reverberación en modo multicanal. La mezcla está muy lograda, transmitiendo sensación de ambiente y un excelente balance entre el fortepiano y el violín. En resumen, también en el apartado sonoro las versiones de Podger-Cooper superan a la de Uchida-Steinberg.

Saludos

Maravillosa banda sonora donde las haya, UNA AUTÉNTICA MARAVILLA compuesta por el siempre genial Mark Isham para ambientar una durísima película. Ambientes electrónicos con temas de raiz étnica de una gran belleza.
El que busque una banda sonora manida de las muchas que se hacen hoy en día (que parecen todas iguales) que se olvide de este disco. El resto, mi mas ABSOLUTA recomendación. El que quiera ver lo que se puede hacer con la electrónica, que no se pierda este disco.
Como añadido un bonito tema de Stereophonics y otro de Bird York
un saludo